jueves, 14 de abril de 2011

Bienvenidos

Aquí podras enterarte de como fué el inicio del cine en los E.U.A. cuáles fueron las primeras películas infantiles, cuál fue la primera película a color que se transmitio, cuáles son los premios que se entregan al cine en E.U.A. y todo lo relacionado con los generos del cine.


Este espacio es ideal para todo aquellos que gustan del cine, ya que encontraras imágenes y videos relacionados con lo último del cine, aquí podras dar tu opinión, y nos podras seguir por mail.
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Inicios del cine en E.U.A.

Cine de los Estados Unidos

Similar a lo ocurrido con la música popular de los Estados Unidos, la industria cinematográfica estadounidense ha tenido un profundo efecto en el cine alrededor del mundo desde inicios del siglo XX. Su historia se divide en ocasiones en cuatro períodos principales: la era muda, el cine clásico de Hollywood, el nuevo Hollywood, y el periodo contemporáneo (a partir de 1980).


La segunda instancia grabada de imágenes capturando y reproduciendo movimiento fue una serie de fotografías de Eadweard Muybridge que mostraban un caballo galopando, tomadas en Palo Alto, California, utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en fila. El logro de Muybridge motivó a inventores de todas partes para intentar creas dispositivos similares que pudiesen capturar ese movimiento. En EE. UU., Thomas Alva Edison fue el primero en producir un dispositivo de esas características, el kinetoscopio, cuya abusiva patente forzó a los primeros cineastas a buscar otras alternativas.
En EE. UU., las primeras exhibiciones de películas para grandes audiencias se hacían usualmente en los descansos de los shows de vodevil. Los empresarios comenzaron a viajar para exhibir sus películas, llevando al mundo las primeras incursiones en el género del drama. El primer gran éxito del cine estadounidense, así como el logro experimental más largo hasta el momento, fue El gran atraco al tren, dirigida por Edwin S. Porter. En los albores de la industria cinematográfica estadounidense, Nueva York fue el epicentro de los cineastas. El estudio de grabación de Kaufman-Astoria en Queens, construido durante la etapa muda del cine, fue usado por los hermanos Marx y W. C. Fields. Chelsea (Manhattan) también era utilizado con frecuencia. Mary Pickford, una actriz ganadora del premio de la Academia, rodó algunas de sus primeras películas en esta zona. Sin embargo, el mejor clima de Hollywood durante todo el año lo convirtió en una mejor opción para rodar.
Hollywood
A principios de 1910, el director D.W. Griffith fue enviado por el Biograph Company para la costa oeste con su compañía. Empezaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street, en el centro de Los Ángeles. La compañía exploró nuevos territorios y viajó varias millas al norte de un pequeño pueblo. Este lugar fue llamado "Hollywood". Griffith entonces filmó la primera película en Hollywood, California, un melodrama sobre California en el 1800, mientras pertenecía a México. Después de escuchar acerca de este maravilloso lugar, en 1913, muchos encargados del cine se dirigieron al oeste para evitar las tasas impuestas por Thomas Edison, propiedad de las patentes sobre el cinematografo. Antes de la Primera Guerra Mundial, las películas se hicieron en varias ciudades de EE.UU., pero los cineastas gravitado el sur de California como la industria a desarrollarse. Fueron atraídos por el clima suave y fiable de la luz solar, lo que permitió a las películas de cine al aire libre durante todo el año, y por la variedad de sus paisajes que estaba disponible.


Invencion del cine como arte autónomo

El punto de partida para el cine americano fue Griffith con El nacimiento de una nación que fue pionera en la filmación de vocabulario que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy. El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad. La forma en que se establece el salto de eje, el uso de los primeros planos, la alternancia entre planos generales que permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente el espacio donde transcurre la acción y planos cortos donde se aprecia el detalle constituyen la base del modelo.




El «padre del cine moderno»

Estudios tempranos de la historia del cine mostraban a Griffith como el «padre del cine moderno», partiendo de un artículo escrito por él mismo en un periódico poco después de su salida de AM&B en 1913. En éste afirmaba ser el creador del lenguaje cinematográfico, tales como el primer plano; o el flashback. Los primeros historiadores de cine, sin tener acceso a muchos de los filmes producidos antes de 1913, declararon a Griffith como el "padre del cine" Estudios recientes y el descubrimiento de varios filmes (Brighton Conference), demostraron que aunque una amplia variedad de realizadores trabajaban en explorar nuevas técnicas narrativas y estéticas para el cine en Francia, Italia, Estados Unidos ninguno sistematizo los diversos descubrimientos en un lenguaje cinematografico. Edwin Porter, por nombrar a uno de ellos, hace muestra de algunas técnicas narrativas en The life of an american fireman (1903) así como el desarrollo de nuevas técnicas de edición en The great train robery (1903), pero sus descubrimientos no tienen continuidad más allá de su aplicación técnica.
La importancia de Griffith como realizador fue su capacidad de utilizar y combinar aquellas técnicas. Tildar a Griffith como «El padre del cine moderno» es por esto, aplicable a la figura de este creador. Su imaginación y su gran destreza detrás de las cámaras lo hacen el director más importante del munfdo en esa época.
Durante el periodo en que el cine comenzaba se crearon tres tipos de discurso cinematográfico:
  • El discurso de los Lumière. Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen (lo mediatiza), al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época. Precisamente, este eco hizo que el cine llamase la atención del público ya acostumbrado a los inventos que captaban la imagen en movimiento como el Kinetoscopio u otros similares.
  • El discurso de Méliès. Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares, dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.
  • El discurso de Griffith. Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de la novela decimonónica, dando así nacimiento al relato cinematográfico.
Al discurso de los Lumiere y de Méliès se los engloba como Modo de representación primitivo. No es algo exclusivo de estos primeros cineastas sino de todos los que realizaban cine en aquella época. En contraposición, se encuentra el discurso de Griffith y el de la mayoría de los que siguieron. Se les engloba bajo la etiqueta de Modo de representación institucional.
Griffith además fue el descubridor de muchas estrellas de la naciente industria fílmica norteamericana, entre las que se encuentran: las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Mae Marsh, Blanche Sweet, Mack Sennett (cómico canadiense imitador de Max Linder), y sobre todo Mary Pickford, quien pronto se convertiría en «la novia de América».




 Edad de oro de Hollywood

Durante la llamada «edad de oro de Hollywood», o de la narrativa clásica de Hollywood, son los términos utilizados en la historia del cine, que designa a la vez un estilo visual y de sonido para películas y un modo de producción utilizados en la industria cinematográfica de Estados Unidos de América aproximadamente entre 1910 y 1960. Estilo clásico, es fundamentalmente basarse en el principio de la continuidad o la edición de "invisible" de estilo. Es decir, la cámara y la grabación de sonido no debería llamar la atención sobre sí mismos.
En esa época las películas en los estudios de Hollywood se rodaban de forma parecida a la que se utilizaba para ensamblar los coches en las cadenas de montaje de Henry Ford. No había dos películas exactamente iguales, pero la mayoría seguían un género: Western, comedia, cine negro, musicales, cine de animación, biográfico, etc, y los mismos equipos creativos solían trabajar en las películas producidas por el mismo estudio - por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en las películas de la MGM, Alfred Newman trabajó para la Twentieth Century Fox durante veinte años, casi todas las películas de Cecil B. De Mille fueron producidas por la Paramount, las películas del director Henry King fueron en su mayoría rodadas para Twentieth-Century Fox, etc. Se podía llegar a adivinar qué estudio había producido cada película solo por los actores que aparecían en ella; cada estudio tenía su propio estilo y toque característico que hacía posible averiguarlo - una cualidad que no existe hoy día. Aun así cada película tenía ligeras diferencias, y, en contraposición a los fabricantes de coches, la mayoría de las personas que intervenían en el rodaje eran artistas. Por ejemplo, Tener y no tener (1944) es famosa no solo por su pareja de protagonistas Humphrey Bogart (1899-1957) y Lauren Bacall (1924-) sino también por haber sido escrita por dos futuros ganadores del Premio Nobel de Literatura: Ernest Hemingway (1899-1961), autor de la novela en la que se basó la película, y William Faulkner (1897-1962), que trabajó en la adaptación para la pantalla grande.
Sin embargo rodar películas todavía era un negocio y las productoras hacían dinero operando bajo el llamado sistema de estudio. Los principales estudios tenían a miles de personas en nómina -actores, productores, directores, escritores, especialistas, mecánicos y técnicos. También poseían cientos de teatros en ciudades y pueblos repartidos por todo el país- teatros que proyectaban sus películas y que siempre necesitaban material fresco.
Muchos historiadores hacen hincapié en la gran cantidad de buenas películas que surgieron en este período de férreo control de los rodajes. Una de las razones que hizo esto posible fue que, con tantas películas en producción simultáneamente, no todas tenían que ser un éxito de taquilla. Un estudio podía arriesgarse con un proyecto de presupuesto medio que tuviese un buen guión y actores relativamente desconocidos: Ciudadano Kane, dirigida por Orson Welles (1915-1985) y unánimemente considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos, cumplía estas premisas. En otros casos, directores con una gran personalidad como Howard Hawks (1896-1977) y Frank Capra (1897-1991) se pelearon con los estudios para imponer sus visiones artísticas. El sistema de estudio alcanzó, probablemente, su apogeo en el año 1939, que vio el estreno de clásicos como El mago de Oz, Lo que el viento se llevó, La diligencia, Caballero sin espada, Solo los ángeles tienen alas, Ninotchka, y Medianoche. Entre otros títulos salidos de la Edad de Oro que son considerados clásicos en nuestros días podemos citar: Casablanca, ¡Qué bello es vivir!, la versión original de King Kong, y Blancanieves y los siete enanitos.


El declive de los estudios

El sistema de estudio y por ende la Edad de Oro de Hollywood sucumbieron a dos fuerzas a finales de los años 40: (1) Una intervención federal que separó la producción de películas de su exhibición en salas; y (2) la invención de la televisión. Como resultado de esa intervención, actores y cuerpo técnico fueron liberándose gradualmente de sus contratos con las productoras. Ahora, cada película hecha por un estudio podría tener un reparto y equipo creativo completamente distinto, desencadenando en la pérdida gradual de todas esas "características" que hicieron inconfundibles a las películas de la MGM, Paramount, Universal, Columbia, RKO y Twentieth-Century Fox. Sin embargo, determinadas personas del mundillo, como Cecil B. DeMille, utilizaron artistas que seguían contratados hasta el final de sus carreras o los mismos equipos creativos en sus películas por lo que, una película de DeMille todavía parecía rodada en 1932 o 1956. El número de películas en rodaje descendió bruscamente, incluso las de gran presupuesto, marcando un cambio en la estrategia a seguir por la industria. Los estudios se centraron en producir entretenimiento que no pudiese ser ofrecido por la televisión: espectáculo, producciones con argumentos trascendentales, mientras otros cedieron los derechos de sus bibliotecas cinematográficas y teatrales a otras compañías para ser vendidos a la televisión.
Aunque la televisión acabó con la hegemonía de la industria cinematográfica en el entretenimiento estadounidense, el surgimiento de la televisión resultaría ventajoso, a su forma, para las películas. Esto fue debido a que la opinión pública sobre la calidad de la programación televisiva decayó rápidamente y, por el contrario, el estatus del cine empezó a ser cada vez más reconocido como una forma de arte seria y digna de respeto y estudio. Esto fue complementado con la milagrosa decisión en la que la Corte Suprema de los Estados Unidos revocó su decisión y dictaminó que las películas eran una forma de arte con derecho a la protección de la Primera Enmienda.


 El «nuevo Hollywood» y el cine post-clásico

«Cine post-clásico» es un término utilizado para describir los cambios narrativos en el nuevo Hollywood. Se argumenta que las nuevas aproximaciones al drama y la caracterización jugaron con la expectación de la audiencia adquirida en el período clásico: la cronología se cruzaría, los guiones presentarían "finales inesperados" y las líneas que separan al antagonista y protagonista estarían difuminadas. Las raíces de la narración post-clásica según Ángel Faretta están en el momento de auto-conciencia del cine, a partir de la película de Orson Wells, Citizen Kane, donde por primera vez el cine "se contempla a si mismo". Otros declaran que el quiebre podría estar en el cine negro, en Rebelde sin causa (1955), y en la rompedora y atípica película de Hitchcock Psicosis.
«Cine post-clásico» es un término utilizado para describir al período que prosiguió al declive del sistema de estudio en los 50 y 60 y el final del código de producción. Está marcado por una gran tendencia a dramatizar cosas como la sexualidad y la violencia.
«Nuevo Hollywood» es un término utilizado para describir la aparición de una nueva generación de directores educados en escuelas de cine y que han absorbido las técnicas creadas en Europa en la década de los 60. Directores como Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian de Palma, Martin Scorsese, y Steven Spielberg llegaron para crear productos que rindiesen homenaje a la historia del cine e innovar sobre los géneros y técnicas ya existentes. Al principio de la década de los 70, sus películas fueron a la vez alabadas por la crítica y exitosas comercialmente. Mientras las primeras películas del «nuevo Hollywood» como Bonnie y Clyde y Easy Rider habían sido relativos affairs de bajo presupuesto con héroes amorales y una sexualidad y violencia incrementadas, el enorme éxito cosechado por Coppola, Spielberg y Lucas con El padrino, Tiburón, y La guerra de las Galaxias, respectivamente ayudaron a establecer el concepto moderno de "cine comercial" o mainstream, y llevaron a los estudios a enfocar más seriamente sus esfuerzos en intentar producir grandes éxitos.


 Blockbusters

La obsesión por producir espectáculo en la gran pantalla ha modelado ampliamente el cine estadounidense desde sus comienzos. Epopeyas espectaculares tomaron ventaja de las nuevas técnicas panorámicas que habían ido creciendo en popularidad desde la década de los 50. Desde entonces, las diferencias entre las películas estadounidenses se han ido incrementando hasta llegar a dividirse en dos categorías: cine comercial y cine independiente. Los estudios se han orientado en confiar en un puñado de estrenos extremadamente caros cada año en orden a mantenerse rentables. Enfatizan el espectáculo en el cine comercial, el poder de las estrellas y un alto coste de producción, lo que implica un enorme presupuesto. El cine comercial típico se basa en el poder mediático de sus estrellas y la publicidad masiva para atraer a una amplia audiencia. Un título de éxito atraerá una audiencia lo suficientemente grande como para compensar los gastos de producción y proporcionar beneficios considerables. Este tipo de producciones tienen un elevado riesgo de fracaso y la mayoría de los estudios estrenan títulos todos los años que se sitúan a ambos lados de la balanza.


 Cine independiente

Los estudios complementan estas películas con producciones independientes, rodadas con presupuestos pequeños y a menudo independientemente de la corporación del estudio. Las películas hechas de esta forma típicamente enfatizan su alta calidad profesional en términos de interpretación, dirección, guión y otros elementos asociados con la producción y, también, con la creatividad y la innovación. Estas películas cuentan usualmente con el apoyo de la crítica o con encontrar su hueco en el mercado para conseguir audiencia. Debido a los bajos presupuestos del cine independiente, un título exitoso puede tener un alto ratio de beneficios mientras que uno fallido obtiene unas pérdidas mínimas, permitiendo a los estudios patrocinar docenas de estas producciones en adición a sus grandes estrenos.
El cine independiente estadounidense fue revitalizado a finales de los años 1980 y principios de los años 1990 cuando otra nueva generación de cineastas, incluyendo a Spike Lee, Steven Soderbergh, Kevin Smith, y Quentin Tarantino rodaron títulos como, respectivamente, Haz lo que debas, Sexo, mentiras y cintas de vídeo, Clerks., y Reservoir Dogs. En términos de dirección, guión, edición y otros elementos, estas películas fueron innovadoras y a menudo irreverentes, jugando con la contradicción de las convenciones de las películas de Hollywood. Además, su considerable éxito económico y su cruce con la cultura popular restableció la viabilidad comercial del cine independiente. Desde entonces, la industria del cine independiente se ha definido con más claridad y con más influencia en el cine estadounidense. Muchos de los principales estudios se han enfocado en ello mediante la creación de subsidiarios para producir películas similares; por ejemplo Fox Searchlight Pictures.
En menor medida en la presente década, los tipos de películas que previamente tenían una presencia mínima en el ámbito del mercado cinematográfico han empezado a resurgir con una mayor atracción en taquilla. Estos incluyen películas de habla no inglesa como Tigre y dragón y Herp y documentales como Super Size Me, La marcha de los pingüinos y los trabajos de Michael Moore, Bowling for Columbine y Fahrenheit 9/11.


La aparición del mercado de vídeo doméstico

Los años 1980 y los 1990 vieron otra importante creación. La completa aceptación del vídeo por parte de los estudios abrió un nuevo y vasto campo de negocio a explotar. Películas como The Secret of NIMH y The Shawshank Redemption, que tuvieron una pobre aceptación en taquilla, fueron capaces de encontrar su éxito comercial en el mercado del vídeo. Esas décadas también vieron la primera generación de cineastas que tuvieron acceso a la emersión de las cintas de vídeo. Directores como Quentin Tarantino y Paul Thomas Anderson habían tenido acceso a miles de títulos y produjeron películas con innumerables referencias y conexiones con obras previas. Esto, junto con la explosión del cine independiente y la reducción de costes en el rodaje, cambió el panorama del cine estadounidense una vez más y lideró un renacimiento en el rodaje de películas entre las clases baja y media de Hollywood; aquellas sin acceso a los recursos económicos del estudio.
La aparición del DVD en el siglo XXI se convirtió rápidamente en una gran fuente de beneficios para los estudios y ha liderado una explosión de ediciones con escenas extra, versiones extendidas y pistas comentadas en las películas.


Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_los_Estados_Unidos

Primera película a color que se trasmitio.

En 1909, en el teatro Palace-Varieté de Londres, se proyectaron por primera vez películas en color, gracias al empleo del sistema "cinemacolor", inventado por George A. Smith.
Este sistema utilizaba tan sólo dos colores (verde-rojo) que se mezclaban de forma aditiva.
En 1935, se estrenó La feria de la vanidad; el primer largometraje comercial realizado en technicolor tricromático (azul-verde-rojo).
En 1936, se presentó The Trail of the Lonesome Pine, el primer film rodado en technicolor tricromático en exteriores e interiores. Recién en 1939, con Lo que el viento se llevó, el technicolor se impuso a escala mundial.

Primeras películas Infantiles

Los Clásicos de Walt Disney, originalmente llamados en inglés Walt Disney’s Full-Length Animated Classics, es una colección de largometrajes animados producidos para su estreno en cines por The Walt Disney Studios desde 1937 hasta 1985 y por Walt Disney Animation Studios (anteriormente conocido como Walt Disney Feature Animation) desde 1986 hasta la fecha, ambos estudios cinematográficos pertenecientes a The Walt Disney Company.

1. Blanca Nieves y los 7 Enanos 1937
2. Pinocho 1940
3. Fantasía 1941
4. Dumbo 1941
5. Bambí 1942
6. Cenicienta 1950
7. Alícia en el pais de las maravillas 1951
8. Peter pan 1953
9. La Dama y el Vagabundo 1955
10. La Bella Durmiente 1959
11. 101 Dalmatas 1961
12. La Espada en la Piedra 1963
13. El Libro de la selva 1970
14. Los Aristogatos 1970
15. Bernardo y Bianca 1977
16. El Zorro y el Sabueso 1981
17. La Sirenita 1989
18. La Bella y la Bestia 1991
19. Aladín 1992
20. El Rey León 1994
21. Pocahontas 1995
22.El Jorobado de Notre Dame 1996
23. Hércules 1997
28. Mulán 1998
29. Tarzán 1999
30. Fantasía 2000







CRONOLOGÍA DE PELÍCULAS INFANTILES

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1    Blanca Nieves y los Siete EnanosBlancanieves y los siete enanitos21 de diciembre de 1937 (preestreno)
4 de febrero de 1938
2PinocchioPinochoPinocho7 de febrero de 1940 (preestreno)
9 de febrero de 1940
3FantasiaFantasía Fantasía13 de noviembre de 1940 (preestreno)
29 de enero de 1941 (roadshow)
8 de enero de 1942
4DumboDumbo Dumbo23 de octubre de 1941
5BambiBambi Bambi13 de agosto de 1942 (limited)
21 de agosto de 1942
6Saludos AmigosSaludos amigosSaludos amigos24 de agosto de 1942 (Brasil)
6 de febrero de 1943 (Estados Unidos)
7The Three CaballerosLos Tres Caballeros Los tres caballeros21 de diciembre de 1944 (preestreno)
3 de febrero de 1945
8Make Mine MusicLa Cajita Musical / ¡Música, Maestro! Música maestro20 de abril de 1946 (preestreno)
15 de agosto de 1946
9Fun and Fancy FreeDiversión y Fantasía Las aventuras de Bongo, Mickey y las judías mágicas27 de septiembre de 1947
10Melody TimeRitmo y Melodía Tiempo de Melodía27 de mayo de 1948
11The Adventures of Ichabod and Mr. ToadDos Personajes Fabulosos La leyenda de Sleepy Hollow y el Sr. Sapo5 de octubre de 1949
12CinderellaCenicientaCenicienta15 de febrero de 1950
13Alice in WonderlandAlicia en el País de las MaravillasAlicia en el País de las Maravillas26 de julio de 1951 (limited)
28 de julio de 1951
14Peter PanPeter PanPeter Pan5 de febrero de 1953
15Lady and the TrampLa Dama y el Vagabundo La Dama y el Vagabundo16 de junio de 1955 (preestreno)
22 de junio de 1955
16Sleeping BeautyLa Bella Durmiente La Bella Durmiente29 de enero de 1959
17One Hundred and One Dalmatians101 Dálmatas101 Dálmatas25 de enero de 1961
18The Sword in the StoneLa Espada en la PiedraMerlin el Encantador25 de diciembre de 1963
19The Jungle BookEl Libro de la SelvaEl Libro de la Selva11 de diciembre de 1970 (premiere)
24 de diciembre de 1970
20The AristocatsLos AristogatosLos Aristogatos11 de diciembre de 1970 (premiere)
24 de diciembre de 1970
21Robin HoodRobin HoodRobin Hood8 de noviembre de 1973
22The Many Adventures of Winnie the PoohLas Aventuras de Winnie Pooh Las Aventuras de Winnie Pooh11 de marzo de 1977
23The RescuersBernardo y BiancaLos Rescatadores22 de junio de 1977
24The Fox and the HoundEl Zorro y el SabuesoTodd y Toby10 de julio de 1981
25The Black CauldronEl Caldero MágicoTaron y el Caldero Mágico24 de julio de 1985
26The Great Mouse DetectivePolicías y ratonesBasil, el raton superdetective2 de julio de 1986
27Oliver & CompanyOliver y Su PandillaOliver y Su Pandilla13 de noviembre de 1988 (preestreno)
18 de noviembre de 1988
28The Little MermaidLa SirenitaLa Sirenita15 de noviembre de 1989 (preestreno)
17 de noviembre de 1989
29The Rescuers Down UnderBernardo y Bianca en CangurolandiaLos Rescatadores en Cangurolandia16 de noviembre de 1990
30Beauty and the BeastLa Bella y la BestiaLa Bella y la Bestia13 de noviembre de 1991 (preestreno)
22 de noviembre de 1991
31AladdinAladdínAladdín11 de noviembre de 1992 (limited)
25 de noviembre de 1992
32The Lion KingEl Rey LeónEl Rey León15 de junio de 1994 (limited)
24 de junio de 1994
33PocahontasPocahontasPocahontas16 de junio de 1995 (premiere)
23 de junio de 1995
34The Hunchback of Notre-DameEl Jorobado de Notre DameEl Jorobado de Notre Dame21 de junio de 1996
35HerculesHérculesHércules14 de junio de 1997 (preestreno)
27 de junio de 1997
36MulanMulánMulán5 de junio de 1998 (preestreno)
19 de junio de 1998
37TarzanTarzánTarzán18 de junio de 1999
38Fantasia 2000Fantasía 2000 Fantasía 200017 de diciembre de 1999 (preestreno)
1 de enero de 2000 (IMAX)
16 de junio de 2000






Fuente:http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Cl%C3%A1sicos_de_Walt_Disney

Películas de Acción

Cine de acción

El cine de acción es un género cinematográfico en el que prima la espectacularidad de las imágenes por medio de efectos especiales dejando al margen cualquier otra consideración.
Los elementos más frecuentes de una película de acción son persecuciones (tanto a pie como con vehículos), tiroteos, peleas, explosiones, robos y los asaltos.
El cine de "acción" en realidad es más un convencionalismo popular, que un género cinematográfico acuñado por críticos, estudiosos o cineastas, es decir seriamente, no existe.
El cine de "acción" surge por la urgencia de clasificar cintas explosivas, con actores populares y con tramas lineales, llenas de espectacularidad y opulencia aparecidas a mediados de los setenta en el cine estadounidense, los locales de alquiler o renta de películas en formatos caseros son quienes masificaron esta forma de adjetivar a las cintas como de "acción"
La trama suele estar basada en un conjunto reducido de clichés en los que se suele incluir:
  • Un héroe
  • Un villano
  • Una joven desvalida (que suele ser rescatada por el protagonista y, últimamente, prevalecen las rubias)
  • Un actor secundario cómico (que puede ser un jorge, o un animal)
  • Un final feliz (que incluye la unión o boda del protagonista con la chica)
Aunque en los últimos años los progresos técnologicos han hecho sustituir en ciertos filmes a los actores de carne y hueso por animatrónicos y generados por ordenador los actores reales destacados de este género aun son un elemento que da realismo, deben o suelen poseer un físico formidable y entre los últimos años se denotarian algunos como Arnold Schwarzenegger, Bruce Willis o Sylvester Stallone en los Estados Unidos; Jean-Claude Van Damme, Jean Reno o Jason Statham por parte de Europa; y Chow Yun-Fat, Jet Li o Jackie Chan de Asia.



IRON MAN (2008)

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_de_acci%C3%B3n

Películas de Drama

El Drama
Como género cinematográfico el drama siempre plantea conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una respuesta emotiva en el espectador, conmoviendo a éste, debido a que interpela a su sensibilidad. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas interiores. La temática de este tipo de películas es diversa, pero su eje principal es el amor. Cuando esto último es bastante exagerado, al drama se le conoce por melodrama: En él, los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. La mayoría de las películas promueven la moralidad como eje central y, por ello, tienen una dimensión didáctica acusada. La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra.



SEVEN POUNDS (2008)

Director: Gabriele Muccino
Guion: Grant Nieporte
Reparto: Will Smith, Rosario Dawson, Michael Ealy, Barry Pepper, Woody Harrelson

Fuente: http://www.profesorenlinea.cl/castellano/generodramatico.htm
Fuente:http://www.taringa.net/posts/tv-peliculas-series/2083562/Siete-Almas---Seven-Pounds-_Movie_.html

Películas de tipo Musical


Cine musical

El cine musical es un género cinematográfico que se caracteriza por películas que contienen interrupciones en su desarrollo, para dar un breve receso por medio de un fragmento musical cantado o acompañados de una coreografía.
En los comienzos de este género, el fragmento musical tenía como objetivo impresionar, sin mantener mucha conexión con el desarrollo narrativo. Sin embargo, al alcanzar su madurez, se estilizó el género y los números concatenan la historia.
Ningún otro género cinematográfico, ni siquiera el western, es tan inequívocamente estadounidense como el musical. El concepto del espectáculo que impera en todos los aspectos de la sociedad de EE. UU. alcanza uno de sus máximos exponentes en el cine y, dentro de él, en las elaboradas coreografías, las melodías inolvidables y las obras maestras que ha dado el musical.
Que los personajes de la pantalla se pusieran a hablar, sirvió no sólo para que el cine alcanzara la madurez técnica al tiempo que sacrificaba el star system del cine mudo. Sirvió también para alumbrar un género que hasta entonces técnicamente no existía. En los Estados Unidos de F. Scott Fitzgerald, que casi se vendría abajo con el Crack, se estrenó la primera película sonora (parcialmente) para que las melodías de Cole Porter, George Gershwin o Irving Berlin se trasladaran de las plateas elitistas de las grandes ciudades, a los salones de cine de cualquier pueblo. El cantante de jazz fue el bautizo del género, que llegó e hizo explotar el sonoro, y lo hizo para quedarse.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_musical


MAMMA MIA (2008)
Director: Phylida Lloyd
Productor: Benny Andersson
Protagonistas: Pierce Brosman, Meryl Strep, Amanda Seyfred


BURLESQUE (2010)

Director: Steve Antin

Escritor: Steve Antin

Protagonistas: Cher, Christina Aguilera

FUENTE:http://youtu.be/1PiPYAz7f0Q



VASELINA (1978)
Director: Randal Kleiser
Escritor: Jim Jacobbs
Protagonistas: Jhon Travolta , Olivia Newton

MOULIN ROUGE (2001)

Director: Baz Luhrmann

Escritores: Baz Luhrmann, Craig Pearce

Actores:Nicole Kidman, Ewan McGregor and John Leguizamo